Revue du Département de littérature, théâtre et cinéma de l’Université Laval, Études littéraires est à l’avant-scène de la recherche universitaire nationale et internationale depuis sa fondation en 1968. La revue, qui se distingue par sa vocation généraliste et multidisciplinaire, publie des dossiers thématiques, des articles libres et des débats. Elle peut compter sur la contribution de chercheurs de grande renommée et valorise pleinement la publication d’articles d’étudiants aux cycles supérieurs. Publiée trois fois l'an, elle rejoint un imposant lectorat et bénéficie d’une grande visibilité. Études littéraires est indexée dans les banques de données bibliographiques de renommée mondiale, en plus d’être largement diffusée par la Société de développement des périodiques culturels québécois (SODEP), par le réseau des SUP (Sorbonne Université Presses) et par la plateforme Érudit où 98% de ses numéros sont en libre accès.
Département de littérature, théâtre et cinéma de l’Université Laval
Introduction. Non-dits du genre, vérités du sexe au XIXe siècle
Les traductions des œuvres de Newton en France au XVIIIe siècle
Tous les Savants du XVIIIe siècle subissent le charme de Newton. Bien que l’on se rappelle principalement Madame du Châtelet comme traductrice des Principia en langue française, Diderot a aussi inséré dans ses Mémoires un Texte de Newton en latin et en bas de page, précédé de sa traduction en français. Notre article va d’abord approfondir le contexte culturel et scientifique qui accueille en France ces découvertes révolutionnaires, pour ensuite étudier les traductions choisies et les paratextes qui les accompagnent. Ce parcours de recherche n’est certainement pas exhaustif, mais il ne manquera pas de dévoiler la porosité des domaines et des connexions possibles à travers d’autres pistes à parcourir.
Du déjà dit au non-dit : reprises et inversions dans Les Demi-sexes de Jane de la Vaudère (1897)
Aux normes du roman saphique, qui s’est doté – depuis les romans libertins de la fin du XVIIIe siècle jusqu’aux écrits fin de siècle – d’un ensemble de normes stylistiques, esthétiques et narratives, Les Demi-sexes, publié en 1897 par Jane de la Vaudère, ne semble pas a priori déroger. Ce registre du trop dit ne saurait pourtant être considéré indifféremment de ce qu’il dissimule : un ensemble de dissonances dans la trame narrative bien ficelée par la tradition décadente et, surtout, un jeu complexe autour du plagiat. Cette profondeur du dit et ce travail de réitération en différence permet d’ouvrir une brèche vers ce qui est dénié par le discours même.
Poétique de la suggestion et implicites sexuels d’une violence de genre dans Monsieur Vénus de Rachilde (1884) et Bruges-la-Morte de Rodenbach (1892)
Le présent article explore les implicites sexistes et sexuels dans deux romans fin de siècle mettant en scène des féminicides : Monsieur Vénus (1884) de Rachilde et Bruges-la-Morte (1892) de Rodenbach. Par un retour sur la génétique des œuvres, il trace les grands traits de la poétique de la suggestion et du suggestif à l’œuvre dans les deux romans, soulignant l’hybridation des esthétiques décadente et symboliste. L’analyse textuelle, quant à elle, révèle l’inversion paradoxale du champ sémantique de l’érotisme dans le discours de la violence comme détournement des codes.
Ratés de l’ordre sexuel : la « brutalité des hommes » et l’insatisfaction féminine dans quelques textes sandiens de 1832
Cet article examine dans le roman Indiana et la nouvelle « La Marquise », deux récits écrits et publiés en 1832 par George Sand, les désordres dans la construction socioculturelle de la sexualité, par rapport aux attendus du devoir conjugal au début du XIXe siècle. Étudiant certains des scripts sexuels qui fabriquent les identités, il cerne les manières qu’ont les textes sandiens de (dé)voiler certains tabous sexuels (l’incontinence et la violence masculine) et de dire le désir féminin (et son insatisfaction).
Ce désir innommable. De l’inceste comme apocalypse dans le roman décadent (1884-1897)
La fin du dix-neuvième siècle a marqué l’histoire littéraire par son goût pour la démesure, l’emphase, la transgression. Dans leur manière de dire les relations incestueuses consentantes dans une même fratrie, Élémir Bourges, Rachilde et Catulle Mendès s’appuient sur l’interdit pour renforcer la ligne de démarcation entre le licite et l’illicite. Si la Décadence est obsédée par la mise en scène de sa propre fin, son traitement littéraire de l’inceste la montre au bord du gouffre, consciente de sa destruction, mais aussi de l’imminence d’un retour à l’ordre.
Métamorphose des genres. Mégenrer la lecture dans Novembre (1842) et Madame Bovary (1857)
Lorsque Baudelaire, le premier, mégenre Emma Bovary dans sa lecture de 1857, il donne à lire un jeu des inversions genrées rarement pris au sérieux par la critique littéraire. Le présent article travaillera donc à démontrer, interroger et déplacer les ambiguïtés du genre dans l’écriture de Flaubert, en postulant que s’y trouve un grand non-dit dans sa poétique : de Novembre (1842) à Madame Bovary (1857), en effet, on peut lire un tissage ambivalent de désir et d’identification. Volontiers postmoderne et inspirée du queering, cette lecture entend montrer les airs de famille entre les deux titres.
« Voir autrement » l'homosexualité : L'Autre vue de Georges Eekhoud (1904)
Si l’homosexualité masculine n’est jamais nommée dans L’Autre vue (1904) de l’auteur belge Georges Eekhoud, de nombreux indices suggèrent qu’elle constitue l’objet central du roman et qu’il est possible de le relire dans une perspective queer. Les théories du narrateur non fiable révèlent la présence, non pas d’un, mais de deux personnages homosexuels : Paridael et Bergmans. Démasqué, ce dernier donne accès à un discours militant en faveur de la légitimation de l’homosexualité dans la partie centrale du roman, le journal intime de Paridael, en amalgamant deux niveaux de lectures, un dit social et politique masquant un non-dit homosexuel.
Lorsque le « vol blanc des lesbiennes » passe : écrire sans dire, ou la suggestion du lesbianisme dans La Curée (1871)
Alors que l’association entre naturalisme et pornographie prédomine au XIXe siècle, aborder la sexualité est un véritable jeu de funambule pour Zola. Il déclarait d’ailleurs ne pas vouloir consacrer un roman à l’homosexualité. Pourtant, dans La Curée, les allusions au saphisme se multiplient. Pour comprendre la construction du lesbianisme dans l’œuvre, tout autant que les implications d’une telle représentation, cet article analyse à la fois la langue zolienne, l’inscription de Zola dans le discours social de son temps, et, par une étude génétique, les hésitations de l’auteur quant à la sexualité de ses personnages.
« La chasse aux papillons » de Félicité de Choiseul-Meuse, ou les ambiguïtés du non-dit dans le roman érotique au féminin (1807-1809)
Bien que l’œuvre de Félicité de Choiseul-Meuse, encore trop méconnue des historiens et historiennes de la littérature, explore ouvertement la vie sexuelle de personnages de femmes, les romans érotiques de l’autrice accordent une place significative aux non-dits de la sexualité féminine. Cet article propose d’étudier les fonctions narratives et poétiques de ces silences, en particulier dans Julie, ou j’ai sauvé ma rose (1807). L’objectif est d’interroger leurs enjeux littéraires et idéologiques, afin de mieux comprendre les spécificités du roman érotique au féminin qui émerge au tournant des Lumières.
« Vous n’êtes donc jamais souffrante ? » : Les non-dits de l’ovariectomie dans Les Demi-sexes de Jane de la Vaudère (1897) et Les Florifères de Camille Pert (1898)
Cet article étudie les enjeux des non-dits autour de l’ovariectomie dans les romans Les Demi-sexes et Les Florifères. Les personnages féminins de ces œuvres souhaitent se libérer, via l’opération, de la sexualité purement reproductive. En nous appuyant sur une analyse discursive et narrative, nous exposons que ceux-ci se retrouvent à la merci d’hommes menaçant de révéler leur secret. Même si le non-dit devient temporairement mi-dit, puis dit dans l’entre-soi des opérées, celles-ci vont finalement subir ce non-dit, le reproduire et en être le produit.
L’art de la satire, ou l’adresse au tir. Notes sur « Le Galant Tireur » de Baudelaire
Le poème en prose « Le Galant Tireur » est révélateur du double phénomène, dont la modernité est témoin, de la satirisation de la poésie et de l’artialisation de la satire. Cette composition tardive a plus précisément l’intérêt de réfléchir les « logiques » pragmatiques qui informent la plupart des poèmes satiriques du Spleen de Paris, logiques à travers lesquelles Baudelaire semble s’être ingénié à interpeller différentes catégories de lecteurs et à catalyser diverses questions relatives à la lecture. C’est ce que nous proposons ici de démontrer, tout en enrichissant le commentaire général du poème.
De l’exaltation à la métamorphose : les relations du sujet à la nature en littérature québécoise contemporaine
Les préoccupations croissantes pour l’environnement et le désir de dépasser l’anthropocentrisme poussent les auteurs contemporains à développer différentes modalités de représentation leur permettant d’exprimer des rapports sensibles aux altérités autres qu’humaines. Le sujet ne se situe plus seulement dans une relation de domination, de maîtrise ou d’observation de la nature perçue comme arrière-plan à ses actions : il est à envisager dans un rapport de co-existence, souvent de co-dépendance, avec ces altérités autres qu’humaines. Sa posture change, délaissant les schèmes verticaux de la domination pour ceux indiquant une expansion et une ouverture à la nature : extase, exaltation, désir de communion ou de fusion, voire de métamorphose. Le sujet découvre des analogies entre les différents règnes, métaphorise certains éléments, en personnifie ou en érotise d’autres. Plus encore, ce renouvellement des relations à la nature l'ancre solidement dans un espace ou un territoire concret et l’encourage à être attentif à des processus, des déplacements, des transformations qui s’inscrivent souvent dans la durée. Ces motifs déplacent les frontières entre l’humain et son environnement telles qu’elles ont été pensées dans les sociétés occidentales jusqu'ici.
Les transports dans L’Automne à Pékin : le bus ou le néant ?
Il est question d’un roman de Boris Vian dont la complexité permet encore des approches inédites ; ce roman sera L’Automne à Pékin et l’angle d’attaque en sera les transports , car il s’agira d’évoquer un bus, une automobile, un vélo, un avion, même en modèle réduit, forts présents dans la trame romanesque, autant que les transports amoureux qui seront abordés dans une deuxième partie – où il sera justement révélé des sources nouvelles et relativement intimes assez spectaculaires, après quelques révélations non moins étonnantes touchant à l’énigmatique numérotation d’un bus et d’un avion. La conclusion, ouverte sur l’oeuvre fictionnelle de Boris Vian, tentera d’être à la hauteur de l’enjeu de mots.
Boris Vian – Georges Delerue : Le Chevalier de Neige, opéra en trois actes
Le Chevalier de Neige est un opéra qui a perdu sa musique. Ce seul véritable succès de Boris Vian de son vivant, « sous son propre nom pour un projet artistique d’envergure » (Marc Lapprand et François Roulmann) n’est aujourd’hui connu que sous la forme textuelle du livret, édité depuis 1974. Nous présentons le résultat des recherches entreprises dans l’ensemble des fonds, privés et nationaux, qui conservent les étapes et les états de l’oeuvre, dont les partitions manuscrites du compositeur Georges Delerue, pour établir « l’aventure de la fabrication » (Boris Vian, « Quelques mots sur Le Chevalier de Neige »), et permettre de reconsidérer Le Chevalier de Neige tel qu’il fut créé.
La « poéthique » chez Vian. Esquisse d’une philosophie des relations internationales
La présente contribution au dossier cherche à dégager, à partir du Traité de civisme, une certaine forme d’internationalisme dans la pensée de Vian. L’argument vise à situer l’émergence de considérations politiques indissociables du contexte international et de la manière dont la sphère intellectuelle française porte le discours polarisateur de la guerre froide. À partir de l’étude de la bibliothèque du Traité de civisme, l’approche contextualiste permet de faire ressortir l’évolution de cette pensée internationaliste au courant de la période 1946-1959.
Et si la poésie de Boris Vian n’était qu’un trucage cinématographique ? : une lecture médiagénique de l’adaptation de L’Écume des jours par Michel Gondry
Cet article propose une lecture de l’adaptation cinématographique du roman de Boris Vian L’Écume des jours par le cinéaste Michel Gondry. Reprenant le concept de « récit poétique » développé par Jean-Yves Tadié, notre analyse cherche à mettre en lumière les spécificités poétiques du roman de Vian intraduisibles en termes cinématographiques, et surtout comment Gondry a su trouver des équivalences formelles pour créer un nouvel équilibre esthétique dans son film, qui demeure inspiré du style vianesque. La solution médiagénique de Gondry se fonde essentiellement sur une exacerbation de trucages cinématographiques ostentatoires, qui remédiatise la poésie narrative de Vian à même une forme proprement filmique.
Boris Vian 2.0 : humanités numériques, et traces de pluralité auctoriale
L’année 2020 marque le centenaire de la naissance de Boris Vian et les célébrations de cet événement ont mis en exergue la façon dont le nom Vian masque une oeuvre protéiforme fondée sur l’utilisation de multiples signatures. L’aube du deuxième siècle vianien coïncide également avec la démocratisation d’outils numériques et de méthodes permettant d’aborder les textes sous un nouveau jour et d’explorer des aspects de l’oeuvre vianien jusqu’alors spéculatifs. Nous nous proposons d’exploiter ces méthodes pour présenter des pistes d’analyses nouvelles qui informeront et éclaireront la pluralité auctoriale fondatrice du corpus vianien.
Vers une typologie des espaces oniriques dans l’oeuvre romanesque et dramaturgique de Boris Vian
Si l’oeuvre de Boris Vian fut souvent analysée à partir des notions de non-sens et d’étrangeté, comme au moyen de perspectives poétiques ou stylistiques en raison de sa prose inventive, l’onirisme demeure une voie moins explorée dans le paysage des études vianesques. Pourtant, les affinités des oeuvres avec les courants surréaliste, absurde et fantastique donnent à voir dans les textes des univers qui s’apparentent à des mondes rêvés, en ce qu’ils s’affichent comme des espaces de l’entre-deux. Cet article se propose, d’abord, de définir la notion d’espace onirique, puis d’observer son opérationnalité, de même que sa variété, au sein des pièces Les Bâtisseurs d’empire (1959) et L’Équarrissage pour tous (1950) ainsi que des romans L’Arrache-coeur (1953) et L’Herbe rouge (1950). Nous saisirons également l’occasion d’interroger l’oeuvre de Vian en regard de théories contemporaines sur l’onirisme en études littéraires et théâtrales, lesquelles nous jugeons plus que pertinentes pour « relire Vian, aujourd’hui ».
Elles se rendent pas compte intertextuel et paratextuel : un Chinetoque peut-il en cacher un autre ?
L’oeuvre de Boris Vian a souvent été caractérisé comme dépendant fortement de son paratexte, qu’il s’agisse de la transformation de figures emblématiques du cercle germanopratin d’après-guerre en véritables personnages romanesques, de l’Affaire Vernon Sullivan, ou bien encore de la présence plus grande que nature de l’homme Vian, dans ses rôles multiples, derrière le texte. De même, l’oeuvre de Vian est aussi intrinsèquement référentiel, émaillé d’intertextes, certains flagrants, d’autres plus minutieusement dissimulés. Puisant dans le travail de feu Ross Chambers, cet article explore les différentes interconnexions du paratexte et de l’intertexte dans l’oeuvre de Vian, et la façon dont ces derniers convergent, au point de devenir indiscernables. En d’autres termes, nous voyons comment le paratexte dissimule l’intertexte, et vice versa. Ce jeu de cache-cache se prolonge dans d’autres aspects du texte. Par exemple, nous constatons que Peter Cheyney et James Hadley Chase se dissimulent réciproquement sur le plan intertextuel, et cela pose la question à savoir si Boris Vian dissimule Vernon Sullivan, ou si c’est en réalité Vernon Sullivan qui dissimule Boris Vian. Nous nous demandons alors, dans la lignée de Chambers, si la différence entre les deux auteurs ne résiderait pas plutôt dans l’idée de différance derridienne que dans celle d’altérité.
Boris Vian est-il oulipien ? Naturellement, du strict point de vue de l’histoire littéraire, cette conjecture pourrait paraître fantaisiste – voire contrefactuelle. En effet, Vian disparaît en 1959 alors que l’Ouvroir ne fera officiellement ses premiers pas qu’un an plus tard. Cependant, Queneau, assisté de ses amis imminemment oulipiens, prend en charge un ethos d’écrivain abîmé dont nombre d’éléments (visibilité biographique, stratégies auctoriales…) ont bien failli obérer les conditions d’une postérité littéraire. Après avoir fait l’examen de ces efforts, on considérera les effets de son appartenance au Collège de ’Pataphysique et les traces évidentes que Vian a laissé dans l’ADN de l’OuLiPo.
Arts mineurs et mauvais genres : de quel complot M. Boris Vian est-il le nom ?
Il s’agit ici de corréler l’oeuvre de Boris Vian et, au-delà, sa double vie anthume et posthume à des structures culturelles spécifiques à la France de son temps, à commencer par une nouvelle configuration à la fois médiatique (presse écrite et maisons d’édition) et artistique (cabarets Rive-gauche, « caves » de jazz, « petits théâtres », « jeunes compagnies »), caractéristique de l’Après-guerre. On rappelle à ce stade qu’une des originalités culturelles françaises fut – et reste encore aujourd’hui – de fonctionner comme centrale internationale de légitimation (« artification ») des formes jusque-là jugées illégitimes – alias « mauvais genres » – : cinéma, roman policier, science-fiction, chanson, jazz, rock… Sur ce terrain on met en lumière le rôle originel du réseau pataphysicien et on affine la chronologie du kairos de la légitimation posthume de Vian autour de la séquence 1963-1968 – y compris au travers d’un témoignage personnel de l’auteur de cet article.
Ce dossier Vian aux Études littéraires effectue une mise à jour salutaire des avancées de la critique de cet écrivain, y compris sur des adaptations qui continuent de fleurir dans son oeuvre. Il ne s’agit de rien de moins que d’une nouvelle relève, dont nous ne pouvons que nous réjouir. On y découvrira d’innovantes théories de la lecture et de l’herméneutique en général : on n’a pas encore fini de lire et d’interpréter l’oeuvre de Bison Ravi. Nous ne lirons en l’occurrence ici que du neuf, tant sur le plan de l’exégèse que sur celui de documents de première main jamais auparavant utilisés. Pourrait-on même avancer que l’adaptation inattendue de L’Écume des jours au cirque démontre encore et toujours l’inépuisable vitalité de ce roman[3] ? Rappelons qu’il a déjà été adapté plusieurs fois au cinéma, à l’opéra et au théâtre. À cet égard, l’analyse du film de Michel Gondry que proposent Thomas Carrier-Lafleur et Guillaume Lavoie est tout à fait inédite, d’autant plus que le relatif insuccès de cette adaptation cinématographique n’a pas généré les études qu’on aurait pu en attendre. Et que dire de la sortie en 2020 d’On n’y échappe pas, roman policier commencé par Vian (55 feuillets manuscrits) et achevé par une demi-douzaine d’enthousiastes oulipiens ? Boris Vian serait bel et bien devenu un membre anthume de l’Oulipo, si l’on extrapole un tant soit peu la démonstration de Christophe Reig.
Fenestrologie et bio-poétique de l’attention chez Dominique Fortier et Hélène Dorion
Cet article examine la manière dont une bio-poétique de l’attention, entendue comme l’art de façonner l’attention envers les êtres vivants, se manifeste dans les textes de Dominique Fortier et d’Hélène Dorion. Il établit un parallèle entre la notion d’attention et la figure de la fenêtre, dispositif ayant historiquement servi dans la littérature à penser la relation au monde extérieur. Dominique Fortier et Hélène Dorion utilisent le motif différemment, mais se rejoignent sur deux constats: les autres qu’humains participent du processus attentionnel et la littérature peut servir à penser l’attention au vivant.
Le Lieu de l’archive (IMEC) : (ré)écrire l’archive entre cimaises et vitrines
Dès l’ouverture de son nouvel espace d’exposition en 2016, l’Institut Mémoires de l’édition contemporaine (IMEC, France) a inauguré une série d’expositions intitulé Le Lieu de l’archive, dans lesquelles la notion de l’archive se métamorphose en un espace vivant de création. Depuis lors, cette approche novatrice a permis à chacun des neuf écrivains et écrivaines, artistes et philosophes d’assumer le rôle de commissaire dans le cadre d’une carte blanche, avec comme fil directeur « d’apporter une nouvelle lecture, un nouveau regard » sur les archives conservées à l’abbaye d’Ardenne. L’objectif de cette étude est de présenter cette série et d’explorer la mise en exposition personnelle de l’espace de l’archive à travers des procédés de narrativisation, qui permettent un déploiement de la fabrique de l’oeuvre, du geste créateur littéraire sur les cimaises et sous vitrine. En plus de ces réflexions sur l’espace muséal en tant qu’environnement narratif singulier, le présent article vise à examiner le rôle de l’écrivaine-commissaire et écrivain-comissaire, ainsi que la série éditoriale qui accompagne le cycle d’expositions comme un lieu « curatorial » potentiel. Il s’agira donc d’une analyse approfondie et comparative de différents cas d’étude, incluant les réalisations de Valérie Mréjen (Soustraction, 2019), Jean-Michel Alberola (Le Fleuve, 2021) et Georges Didi-Huberman (Tables de montage, 2023), ainsi que les publications associées à ces expositions.
Campagne, fleuve, femmes et bêtes dans Expo Habitat (2018), et Mouron des champs (2022) de Marie-Hélène Voyer
La nature est de plus en plus présente en littérature, ce qui s’accompagne d’un appareil théorique très riche ; en font partie nombre d’études sur le paysage, dont celles de Michel Collot (La Pensée-paysage) et d’Antonio Rodriguez (Le Paysage originel). Ces auteurs insistent sur la dimension relationnelle du paysage : en tant que représentation mentale de la nature façonnée par l’esprit humain, le paysage permet d’intégrer l’humain à son environnement. Cette dynamique horizontale rappelle en outre l’écosophie d’Arne Naess. Dans cet article, nous verrons comment ces idées se déploient chez la poète rimouskoise Marie-Hélène Voyer, dans Expo Habitat (2018) et Mouron des champs (2022).
Les recatégorisations du personnage secondaire dans les littératures française et québécoise contemporaines. Une étude de la secondarité narrative et thématique
Portant sur le personnage secondaire, l’étude vise à illustrer les principales explorations formelles et thématiques de sa mise en valeur dans les littératures contemporaines française et québécoise. Fondé sur la distinction entre secondarité narrative et thématique, l’article examine les enjeux idéologiques et éthiques de ces explorations et cherche à en dégager les spécificités proprement contemporaines, en regard notamment des grandes entreprises romanesques du XIXe siècle réaliste. Il en ressort que les stratégies narratives et thématiques de recatégorisation du personnage secondaire qui caractérisent la production littéraire actuelle poursuivent et, parfois, radicalisent le projet démocratique du grand réalisme (Lukács).
littérature contemporaine française et québécoise
Le care à l’épreuve des lieux hétérotopiques et des bons sentiments dans Les Enfants du sabbat d’Anne Hébert et Soigner, aimer de Ouanessa Younsi
Les Enfants du sabbat (1975) d’Anne Hébert et Soigner, aimer (2016) de Ouanessa Younsi soulèvent la question de l’effet des espaces hétérotopiques sur les êtres humains. Elles nous incitent plus précisément à nous interroger sur l’impact de certains lieux – sacrés ou profanes – sur les êtres qui s’y réfugient, y travaillent et subissent leurs règles, leurs contraintes et leurs interdits, qui y assument les tâches qui leur sont attribuées. Aussi différents en termes d’appartenance générique et de contexte de publication soient-ils, le roman d’Anne Hébert et le récit de Ouanessa Younsi retiennent notre attention afin de comprendre l’effet d’un espace hétérotopique sur le « prendre soin de l’autre » (Fabienne Brugère), sur les modalités d’un care-giving en deçà et au-delà des bons sentiments. Ainsi, je grefferai la perspective du care à la conception foucaldienne des « espaces autres » aménagés généralement dans les plages réservées aux « individus dont le comportement est déviant par rapport à la moyenne ou à la norme exigée » (Michel Foucault), ce qui nous permettra d’interroger la triade « souci d’autrui, personnage féminin et lieu de soin ». Nous montrerons que le care n’est pas réductible à la seule bienveillance, injonction essentialisante adressée traditionnellement aux femmes dans les sociétés occidentales ; que la sollicitude (care affectif) et le soin (care matériel ou care de service lié généralement aux tâches matérielles) ne sont pas leur apanage ; qu’outre leurs effets bénéfiques, les pratiques du care-giving viennent tantôt avec leur lot d’ambivalences, tantôt avec des impasses ou des pièges.
Cette postface présente les principales conclusions et les limites de ce dossier, né d’un étonnement face à la récurrence de certains motifs (l’exaltation, la fusion avec les éléments, l’érotisation de la nature, la métamorphose du sujet) dans les littératures au Québec mettant en scène les relations du sujet à la nature. À travers ces topoï s’opère une restructuration des rapports entre l’humain et les autres formes de vie.
De l’exaltation : une lecture écoféministe de deux romans d’Anaïs Barbeau-Lavalette
Dans Femme forêt (2021) et Femme fleuve (2022) d’Anaïs Barbeau-Lavalette, une narratrice s’immerge dans un milieu naturel où elle vit des expériences de profonde exaltation. Cet article propose une lecture écoféministe de ces deux romans en faisant ressortir comment l’écriture de Barbeau-Lavalette « recycle », pour les resémantiser, des métaphores usuelles et les intègre dans une rhétorique de la porosité entre le sujet et son environnement. Elle développe par ailleurs des images de métamorphoses montrant des formes de vie qui se transforment au sein de leurs milieux naturels. En valorisant la cyclicité et la porosité des êtres, ces romans remettent en question les hiérarchisations biologiques et appellent de nouvelles approches épistémologiques.