Musiques: Recherches interdisciplinaires
Rattachée à l’Observatoire interdisciplinaire de création et de recherche en musique, Université Laval (OICRM-ULaval) de la Faculté de musique de l’Université Laval (Québec, Canada), la revue Musiques : Recherches interdisciplinaires désire répondre à un besoin de publier les recherches en musique dont la volonté est de dépasser les limites disciplinaires. Fondée en 2023, Musiques : Recherches interdisciplinaires est une revue bilingue (français et anglais) dont le contenu se situe dans le champ des possibles en musique, sans nécessairement recréer les frontières existantes et persistant toujours dans le domaine de la recherche musicale. Musiques: Recherches interdisciplinaires adhère aux principes du libre accès diamant, affirmant qu’aucun obstacle financier ne devrait entraver la création, la diffusion ni la consultation du savoir. Aucune redevance n’est exigée des auteur.trice.s pour publier, ni des lecteur.trice.s pour accéder aux contenus. Ce choix éditorial reflète un engagement en faveur d’une communication scientifique ouverte, responsable et affranchie des logiques marchandes.
L’Observatoire interdisciplinaire de création et de recherche en musique de l’Université Laval (OICRM-ULaval)
Mieux comprendre le processus de co-création d’une chanson : la réflexivité au service d’un projet de recherche-création
Comment, au cours d’un processus de co-création, les idées sont-elles nouées les unes aux autres? Quel rapport se développe-t-il entre les co-créateurs et créatrices et leur œuvre? Pourquoi la co-création est-elle parfois si difficile, même dans un climat où règnent la confiance et le respect? Si la création collaborative a fait l’objet de nombreuses recherches en éducation comme en psychologie, elle reste encore peu étudiée en elle-même, comme mode de création particulier. Cet article rend compte d’un projet de musicologie adoptant l’approche de recherche-création, dont le volet recherche vise à mieux comprendre le processus de co-création d’une chanson grâce à l’observation participante active (OPA), tandis que le volet création vise à produire une chanson significative pour ses co-créateurs et créatrices. Par une démarche herméneutique et réflexive, je montre que c’est la prise en compte de mon propre cheminement dans ce projet qui m’a permis de mieux comprendre la complexité des composantes à la fois créatives, collaboratives et interactionnelles du processus de co-création. Mes analyses, effectuées à partir de transcriptions, d’un journal de bord, d’entretiens individuels et d’une autoconfrontation croisée, m’ont aussi permis de réfléchir au rôle d’une personne en situation d’autorité au sein d’un groupe de co-création : comment peut-elle intervenir pour « faciliter » le processus créatif tout en minimisant son influence sur celui-ci? J’ai en effet choisi de collaborer avec des jeunes de 15 à 17 ans sans expérience en écriture de chansons, mettant ainsi à l’épreuve la notion de zone proximale de développement de Vygotski (1981). En somme, mes résultats montrent que le recours à une posture épistémologique plus traditionnelle n’aurait pas permis de révéler certaines subtilités intersubjectives du processus de co-création, telles que l’étonnante ambiguïté du lien qui unit les co-créateurs et créatrices à leur chanson.
© Sarah-Anne Arsenault 2025 https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Créer malgré, créer avec, créer ensemble
Introduction au volume 2, numéro 2.
© Sophie Stévance 2025 https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Lawrence English — WhiteOut : entre anemoia, souvenirs et expériences réelles du territoire [recension]
Recension de l'album de Lawrence English, WhiteOut. Room40 RM4100, 2025.
© Ludovic Tourigny 2025 https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
La culture au Québec au temps de la pandémie. Réaction, adaptation, normalisation, résistance et hybridation [recension]
Recension de l'ouvrage de Hervé Guay, Louis Patrick Leroux et Sandria P. Bouliane, La culture au Québec au temps de la pandémie. Réaction, adaptation, normalisation, résistance et hybridation. Montréal : Les Presses de l’Université de Montréal, 2024, 440p. ISBN : 9 782 760 650 329
© Jean-Hugues Robert 2025 https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Listening to the Aesthetics of Popular Culture
In the last fifty years, Congolese popular dance music (also known as “Congolese rumba”) has become something of a musica franca for much of sub-Saharan Africa. As Congolese like to say, the captivating sound of their music, firmly grounded in Africa’s encounter with afro-Cuban culture, has “colonized the rest of the continent”, but the music has gone through a series of important aesthetic changes since it first emerged in the urban colonial centers of the Belgian Congo. Despite this rich history, limited research has been done on the subject and very little has been published on Congolese popular music from the point of view of aesthetics. By tuning in on local conversations about certain aspects of the music’s structure and form, this text attempts to understand how Congolese popular dance music attempts to transcend the ugliness of an ongoing political and economic crisis that has become increasingly acute since independence (la conjoncture) and how this particular expression of beauty enables us to better understand the relationship between aesthetics and politics more generally. The perception of “noise” in the analysis of popular music reveals more about our inability to understand non-Western aesthetic criteria than about popular music per se. Drawing from the philosophical hermeneutics of Hans-Georg Gadamer, the metaphor of listening is used to argue that the difficulty of hearing music from someone else’s point of view should not be used to justify a retreat into the self.
© Bob W. White 2025 https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Place, nature, fonctions et usages du modèle en création musicale au collège
Cet article a pour objectif de considérer le modèle musical lorsque celui-ci apparait dans le processus de création au collège. Si l’idée même de modèle peut interroger dans le processus de la création, dans les situations de création musicale à l’école, il semble bien présent. C’est pour comprendre sa place, sa nature, ses fonctions et ses usages lorsqu’il est mobilisé dans la situation de la création musicale dans le cadre scolaire que nous analysons des situations créatives en éducation musicale au collège ainsi que les verbatims des autoconfrontations de ces mêmes situations. Dans la situation de création musicale à l’école, le modèle semble envisagé soit comme « moyen » de création pour expliquer ou suggérer des idées créatives, soit comme « objet » de création en tant qu’idée musicale à mobiliser dans le processus de création et dans les deux cas pour faciliter l’entrée dans l’action. Se pose alors la question des usages du modèle par l’élève pour entrer dans un processus de création. Comment l’élève s’approprie-t-il les modèles pour passer de la simple imitation à l’invention d’un élément nouveau?
© Frédéric Maizières, Alexis Vachon, Sébastien Blanquart, Sandrine Liogier 2025 https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Ce que la musique fend : un corps, un lieu, une machine
Introduction au numéro 1, volume 2 de Musiques: Recherches interdisciplinaires.
La création musicale environnementale productrice de sensibilité éco-esthétique vis-à-vis des paysages sonores urbains
Le compositeur-théoricien Murray Schafer a proposé le concept de soundscape qui a transformé la manière de concevoir notre façon d’être au monde en s’interrogeant sur la mesure dans laquelle le son peut exercer une influence sur notre rapport à notre environnement. La distinction par Schafer et ses collègues entre des espaces de qualité hi-fi et lo-fi, amène une discrimination envers les espaces urbains, dont l’importante activité est principalement abordée comme une forme de pollution sonore. On cherche alors à réduire cette activité urbaine plutôt qu’à en explorer le potentiel esthétique. Il en résulte une fracture entre humanité et nature, alors considérées comme deux entités distinctes plutôt que comme deux éléments d’un tout qui les engloberait. On peut donc se demander comment la création d’œuvres de musique environnementale, un courant esthétique proposant des pièces composées à partir de field recordings, pourrait-elle engendrer une nouvelle sensibilité éco-esthétique vis-à-vis des paysages sonores urbains qui réparerait la fracture entre l’humain et la nature ? Je propose d’aborder cet enjeu selon le prisme de l’écosophie de Guattari dans une démarche de recherche-création qui amène une double immersion, dans le processus de création et le paysage. Mes objectifs sont : 1) procéder à une collecte de sons sur un espace urbain; 2) mener une analyse typologique à partir de paramètres définis par le WSP pour en comprendre les rôles perceptuels et culturels sur l’espace; 3) créer des œuvres de musique environnementale représentatives des pratiques compositionnelles de ce courant; pour 4) manifester l’écosophie guattarienne par la production et l’écoute de musiques environnementales.
Kinok : d’un concept cinématographique à la fusion musique-danse. Approche inédite de Thierry de Mey et Anne Teresa De Keersmaeker
L’article est centré sur l’étude du phénomène de l’exploration simultanée de l’écriture musicale et chorégraphique qui se développe progressivement dans la création artistique contemporaine occidentale. Des collaborations renommées, telles que celle entre Igor Stravinsky et George Balanchine pour Agon, ou entre John Cage et Merce Cunningham lors de leurs happenings, servent d’exemples notables, bien que distincts dans leurs approches. Apparu à la fin du XXe siècle, Kinok de Thierry De Mey et Anne Teresa De Keersmaeker illustre la volonté de réciprocité à travers un processus formel inspiré autant par des logiques mathématiques que poétiques, juxtaposant l’écriture physique de la danse à la composition sonore. Stimulé par le concept de « Kino-Oki » de Dziga Vertov, De Mey explore son principe pour guider la co-création avec la chorégraphe. Comment cette logique cinématographique, capturant plusieurs perspectives simultanément, peut-elle être adaptée pour co-intégrer l’écriture musicale et de la danse? Et jusqu’où l’exploration conjointe d’un processus compositionnel peut-elle être poussée? L’objectif de cet article découle ainsi de ce questionnement et vise à révéler les méthodes employées par le compositeur de Kinok. Pour réaliser cette étude, une approche paradigmatique a été privilégiée. À travers la création de « calques » basés sur l’observation de l’enregistrement vidéo et le suivi de la partition, nous avons recueilli des informations variées sur les mêmes séquences aux niveaux macro et micro. Ces éléments gestuels et sonores ont permis d’identifier des « nœuds » structurels clés dans la composition, mettant en lumière les « points de bifurcation » et facilitant la compréhension de la forme globale, ainsi que des processus essentiels de composition. Une démarche heuristique a également été employée par le recueil de diverses sources, incluant des interviews avec les créateurs, cruciales pour comprendre le processus créatif.
création interdisciplinaire musique-danse
© Vera Geslin Potapova 2025 https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Les « banques de sons » des beatmakers sénégalais : provenances, usages et processus de création
À l'occasion d'une thèse soutenue à l'EHESS en mars 2023 et ayant pour objet la création musicale en régime numérique des producteurs de hip-hop sénégalais (ou « beatmakers »), j'ai pu constater que la « banque de sons » se situait au centre des processus de création. En s'appuyant sur les données ethnographiques recueillies dans les studios, ainsi que sur des entretiens avec des musiciens et des acteurs culturels sénégalais, l'objectif de cet article consiste à montrer comment ces bibliothèques ne correspondent pas uniquement à la somme des échantillons qu'elles contiennent. Leur organisation reflète en effet les stratégies de classements et leurs critères (par thème, par type, par date, par provenance). Mais le lieu de savoir que constitue le bureau de l'ordinateur, où sont stockées les banques de données en question, est aussi un lieu connecté, qui s'inscrit dans des échelles multiples, du local au global. Les banques de son des beatmakers permettent alors d'accéder à la façon dont ils naviguent entre ces enjeux, en donnant à voir les relations entre les échantillons en fonction de leur provenance et de leur utilisation.
© Maël Péneau 2025 https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Recension - Béla Bartók in Italy: The Politics of Myth Making
Recension du livre de Nicolò Palazzetti, Béla Bartók in Italy: The Politics of Myth Making. Woodbridge : Boydell Press, 2021. 302p. ISBN : 9781783276202.
© Jade Huard 2025 https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Introduction du volume 1, numéro 2.
© Sophie Stévance 2024 https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Recension - Une phénoménologie de l'écoute
Recension du livre de Bruno Deschênes, Une phénoménologie de l’écoute. Ouverture Philosophique. Paris : Éditions L’Harmattan, 2024. 332p. ISBN :978-2-336-44711-7.
© Ludovic Tourigny 2024 https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
La réception de Béla Bartók en Italie. De l’histoire culturelle du fascisme au débat contemporain
Cet essai fournit un récit détaillé de la réception du compositeur, ethnomusicologue et pianiste hongrois Béla Bartók (1881-1945) en Italie à travers l’analyse de la presse périodique, des concerts publics et radiodiffusés, et des correspondances privés. La réception italienne de Bartók au 20e siècle est utilisée comme cas d’étude privilégié pour comprendre la genèse et la diffusion du mythe de Bartók en tant que héros antifasciste. L’essai mentionne également, dans une perspective comparative, la réception de Bartók en France. Appréciée en Italie dès les années 1910, la musique de Bartók connut un succès considérable sous le régime de Mussolini malgré l’hostilité du compositeur à la violence fasciste. Bartók fut ensuite associé à la résistance culturelle antinazie au début des années 1940 et devint finalement un martyr de la liberté au lendemain de la Seconde Guerre mondiale. La « vague bartókienne » qui s’affirma enfin en Italie pendant la guerre froide fut le résultat de la fusion entre le mythe de Bartók en tant que « musicien de la liberté » – une définition forgée en 1947 par le musicologue antifasciste Massimo Mila – et le mythe de la renaissance nationale. Une fusion qui avait ses origines dans le paysage sonore de la dictature fasciste et de la Resistenza. Tout en fournissant au lectorat francophone les points de repère essentiels sur la réception italienne du musicien hongrois, l’essai fait aussi le point sur le « mythe de Bartók ». Cette question a suscité un débat au sein de la musicologie contemporaine et peut avoir des conséquences pour réévaluer la réception internationale du compositeur.
© Nicolò Palazzetti 2024 https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Faciliter l’accordage des mouvements des jeunes élèves à la pulsation d’une œuvre musicale diffusée en classe
En Suisse romande, les plans d'étude scolaires préconisent que les jeunes élèves s'accordent à la pulsation de la musique avec des mouvements de marche. Notre recherche a tenté de savoir si, à l'âge de 5 ans (+/- 6 mois), les fonctions locomotrices sont plus adéquates que les fonctions non locomotrices pour réaliser une synchronisation corporelle à la musique. De jeunes élèves ont tenté de synchroniser leurs mouvements aux pulsations d'une oeuvre de Vivaldi, soit en marchant, soit en frappant dans les mains, assis sur une chaise. Nos résultats montrent que pour les élèves de notre échantillon (n = 9), la marche synchronisée était trop complexe, au contraire de la frappe dans les mains, assis sur une chaise. Nous développons quelques idées d'organisation et de gestion de la classe pour débuter la didactique du rythme en début de scolarité.
© François Joliat, Antonio Trajanoski 2024 https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Introduction : Pour un décloisonnement disciplinaire
Introduction au numéro "Musiques: Pour un décloisonnement disciplinaire" (vol. 1, n° 1).
Symphonie pour le jour où brûleront les cités (Art Zoyd) comme passerelle des undercommons
Jusqu’où la musique peut-elle influencer notre vie? Voilà une question qui a longtemps taraudé l’esprit du chercheur alors qu’elle accompagnait son parcours. Pas n’importe quelle musique: celle d’Art Zoyd, une formation maubeugeoise dont le parcours et le discours ont eu une influence sur sa propre trajectoire et sur ses choix. Était-il plus réceptif à cette musique qui explorait de nouvelles dimensions ou bien cette dernière participait-elle aux undercommons? Retraçant l’histoire de cette période, cet article cherche les moments opportuns qui ont permis de prendre conscience qu'à travers les « sous-communs », une autre destinée était possible.
© Noël Jouenne 2024 https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Reconnaître le travail des artistes à l’emploi à l’université: Le financement de la recherche et de la création au Québec et au Canada
Cette contribution vise à cerner et à mieux comprendre les conséquences de ce que nous appellerons des actes de persuasion au sein de l’écosystème universitaire au Canada. En tenant compte de facteurs sociologiques, politiques, éthiques, et des faits que ces travaux scientifiques exposent, le présent article dégage ainsi quatre marqueurs d’étude : 1) une ambiguïté dans la constitution des jurys d’évaluation de subventions au sein des organismes finançant la recherche, entraînant 2) une confusion dans l’utilisation des fonds de recherche attribués à la création et générant, de fait, 3) une confusion troublante (cette fois d’ordre sémantique) dans les définitions de la recherche et de la création (et conséquemment de la « recherche-création »), le tout entretenu par 4) des problèmes d’ordre administratif et de possibles accointances qui perdurent au sein de cet écosystème entre artistes et administrateurs-décisionnaires. Sur la base de ces marqueurs, qui témoignent d’une situation complexe et épineuse, l’article esquisse des pistes de solutions pour mieux comprendre la place et le rôle de la culture artistique à l’université, et y reconnaître à sa juste valeur la contribution des artistes, notamment en proposant une manière plus adéquate de gérer les fonds de recherche et de création, en particulier pour les étudiants.
© Sophie Stévance, Serge Lacasse 2024 https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Jean-François Charles’s Missa brevis Abbaye de Th​é​l​è​me interleaves texts of the Mass Ordinary with French poems from the fifteenth to the nineteenth centuries. These poems interpret the mass texts, and conversely the mass texts weave the poems into a rite, and a ritual space. The album sonifies the gargantuan, utopian abbey described by the ex-Franciscan friar François Rabelais in the first book of Gargantua and Pantagruel (ca. 1532). Rabelais’s Thelema Abbey is the basis of Alistair Crowley’s Thelema spiritual movement, the sole principle of both being “fais ce que voudras” (the first words on the album). I show that the poems’ supplementation of the mass texts in their musical context evokes the will aligning one with divine love. I explicate this supplementation with reference to sympathetic elements in the exegesis of Philip K. Dick. Charles’s mass triangulates us between (1) a heartfelt search for God in the midst of war and inner turmoil (highlighted in the Sanctus and Benedictus), (2) a conflict between unloving zealots and willful iconoclasts (spelled out in the Kyrie and Agnus Dei), and (3) a utopia of divine love (seen especially in the Gloria and Credo). Dick similarly shares actual memories of alternative timelines, triangulating us between (1) a so-called “black iron prison police state world” in which Christianity is illegal (2), this world, partially good and partially bad, in which we and Dick exist, and (3) a paradise presided over by Aphrodite, the goddess of love. In listening to / visiting the mass/abbey, to borrow a phrase from Gurnemanz in Richard Wagner’s Parsifal, “time becomes space.” Through the mass’s prayer, we can aim to jump timelines, as if they were arrayed in space, making Arcadia more real for us, at least for the duration of the album, if not permanently.
© Matthew Arndt 2024 https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
The Yoruba Rythmic Deities: A Brief Analysis of Chucho Valdés’s Use Of Yoruba Rhythms related to My Own Performance Practice
Yoruba rhythms have been an endless source of inspiration to musicians around the world since their African birth.[1] As the Yoruba religion has played a major role in shaping Cuban culture since the massive arrival of West African slaves on the island in the nineteenth century, a multitude of Cuban instrumentalists and composers have shown undeniable Yoruba influences.[2] Chucho Valdés is one of the most famous figures to illustrate this phenomenon.[3] For more than five decades, he has performed, improvised, arranged, composed, mixed, mastered and edited music that not only uses Yoruba rhythms but also strongly celebrates the general Afro-Cuban legacy.[4] Valdés is a pioneer and model to most Cuban musicians, including myself, because he has developed a unique and personal style through the hybridization of two powerful and distinct musical genres: jazz and Afro-Cuban music.[5] I have been greatly influenced by this pianist since I started learning music, and I believe I have been following his path in my recent quest for hybrid creative music. In this essay, I will discuss the personality of the Yoruba deities in relationship with their rhythms. Then, I will do a brief analysis of Chucho Valdés’ performance practice and use of Yoruba rhythms. Finally, I will tend to in related Chucho’s approach to my own approach. I will attempt to define and analyze both ways of approaching piano performance, improvisation, and composition and will illustrate the main differences. I will then explain why I have chosen this musical direction and sketch out my personal path within the broader perspective of contemporary jazz performance practice. [1] Acosta, Leonardo. Cubano Be, Cubano Bop: One Hundred Years of Jazz in Cuba. Washington: Smithsonian Books, 2003, p. 59. [2] Ortiz, Fernando. Los Negros Brujos. Miami, Florida: Ediciones Universales,1973. p-12. [3] Acosta, Smithsonian Books: 2003, p. 212. [4] Chucho Valdés’s Website.“Biography.” Accessed on November 9, 2015. http://www.valdeschucho.com/index.html#about. [5] Acosta, Smithsonian Books: 2003, p. 212.
© Rafael Zaldivar 2024 https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Vocalises sérielles: Séries dodécaphoniques cycliques
Certaines séries dodécaphoniques sont cycliques, c'est-à-dire qu'elles sont basées sur une séquence de 2, 3, 4 ou 6 intervalles, répétée à un intervalle ascendant ou descendant x. Cette étude explore les caractéristiques de ce type de séries, les moyens pour les générer, ainsi que leur nombre.
© André Papillon 2024 https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
L'écho des cloches romantiques dans Le Chant de la Cloche de Vincent d'Indy
Cette étude se concentre sur le rôle et le symbolisme de la cloche dans l’œuvre lyrique de Vincent d’Indy intitulée Le Chant de la Cloche (opus 18, sous-titrée « Légende dramatique »). Composée pour la quatrième édition du concours musical de la Ville de Paris en 1885, cette œuvre est écrite d’après le poème de Friedrich Schiller Das Lied von der Glocke (« Le chant de la cloche ») publié en 1799. La thèse principale de cet article consiste à démontrer que la place tenue par la cloche tout au long de cette composition – qu’elle apparaisse en imitation aux divers instruments de l’orchestre ou réellement sur scène pour le dernier tableau – inscrit Vincent d’Indy dans une tradition romantique, dans laquelle la cloche détient une place singulière : c’est un objet sacré, qui non seulement sonne tous les âges de la vie, mais rassemble les Hommes grâce à une intensité sonore inégalable, son caractère religieux (la cloche est baptisée) et un chant harmonieux. Dans cette œuvre lyrique composée par Vincent d’Indy, la cloche sonne à tous les âges importants du protagoniste Wilhelm, saintier de profession. L’accent est porté sur les apparitions successives de la cloche au fil de l’œuvre musicale et sur le rôle qui lui est assigné par le compositeur. Cette étude musicale est complétée par des éléments historiques et sociologiques. En effet, de très nombreux documents d’archives attestent d’une multitude d’« affaires de cloches » au 19e siècle, comme le montre l’ouvrage d’Alain Corbin relatif au paysage sonore dans les campagnes françaises de cette époque. Par conséquent, une telle œuvre musicale présente, en plus d’un intérêt musical et littéraire, un intérêt historique puisqu’elle permet une reconstitution d’un paysage sonore aujourd’hui disparu.
© Lucas Berton 2024 https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
“Brilliant Gathering at Bayreuth”: Early Wagnerism as told by Toronto’s Globe (1857-1876)
In June of 1887, Torontonian were treated to the local premiere of Flying Dutchman, the first opera by Richard Wagner to be performed in full in the city. Yet while locals had had to wait decades for such an occasion, newspapers had started reporting on the composer as early as 1854. In this paper, I consider Wagner’s reception in Toronto from 1874 to 1876 by surveying mentions of Wagner in the newspaper the Globe, focusing on the years 1875 and 1876. In particular, I ask how the materiality of technology effects its transmission in the era prior to sound recording. Drawing from the work of Michel Serres, I propose the concept of the parasite as a way of unpacking how the material realities of opera unfold. Parasite refers to a third element—“a mediate, a middle, an intermediary”(Serres 2007, 63)—between sender and receiver which sets the stage for communication to take place. Importantly, the parasite is not a neutral entity: it is transformative by default. I relate the concept of the parasite to that of the paratext, materials which surround but are not officially part of a text. Precisely because of the difficulty of accessing live opera on demand, paratext hold the potential to transform how we understand Wagner. I explore the role of newspapers in Wagner reception but also widens to theorize how other pre-recording technologies such as sheet music and the telegraph facilitated Wagner’s migration over the Atlantic. Through these media, we can not only glimpse the prehistory of Wagner in the city but also how his music has been continually fragmented and reworked. I argue that when access to live opera is limited such paratexts are charged with the potential to not only supplement but to transform and overtake the original.
© Emilie Hurst 2024 https://creativecommons.org/licenses/by/4.0